Press Releases

Current Exhibition

in the country of last things

Jack Early | Alexandros Georgiou | Angela Lyras

Summer 2011 | 16 July – 9 October 2011
via Roma 22, Cortona

English, scroll down for Italian

‘These are the last things she wrote. One by one they disappear and never come back. I can tell you of the ones I’ve seen, of the ones that are no more, but I doubt there will be time. It is all happening too fast now and I cannot keep up. / I don’t expect you to understand. You have seen none of this, and even if you tried, you could not imagine it. These are the last things.’

The title of TFA’s summer exhibition is taken from Paul Auster’s eponymous novel that depicts a dystopia of fallen civilization. Using pathos, irony and humour, the works of Jack Early, Alexandros Georgiou, and Angela Lyras narrate with photography, collage and music, from disparate places – Ulsan, Varanasi and New York City respectively, describing a disintegration of social and cultural systems while also distilling poetry from shards of contemporary reality.

Jack Early’s text piece Poster will be on display. It recounts the story of his rapid ascent and decent as part of the art duo Pruitt-Early in the New York art world of the late 80’s early 90’s. Their career climaxed with The Red Black Green Red White Blue Project at the Leo Castelli gallery in 1992 (re-installed Tate Modern, Pop Life: Art in a Material World 2009). The exhibition was notoriously slammed, almost unanimously, by the critical community and led to the artists being ostracized from the art world. In the aftermath of the 1992 show Early ceased to make visual art for a decade and a half, turning instead to writing and music. Early recounts his life experiences of the last 15 years in his lyrics and melodies, expressing the melancholy and joy of finding happiness after lost love, fame and fortune. American folk music and oral tradition underlie Early’s narratives in which sentimentality and irony are used to underpin the sometimes-dark aspects of American culture. TFA will display 9 of Early’s brightly coloured hand-pressed vinyl recordings – encased like Grammie Award winning LPs, these works are both iconic pop objects and conceptually ironic plays on the notion of ready-mades.

Alexandros Georgiou’s work from his Without My Own Vehicle series takes us Eastward. Arduously making his way overland from Athens (the artist’s home) to Varanasi, India, via Turkey, Iran and Pakistan, Georgiou explores places experiencing hardship and social upheaval, where the majority of inhabitants are isolated from the economic prosperity of the ‘developed’ world. It was one of Georgiou’s intentions to embark on this journey and come face to face with places that we hear about from the perspective of the western press through the filter of banal association and prejudice. Transcending what could be exotic trappings of his oriental subjects, Georgiou reveals the spiritual resilience of the people he has lived with. The poetry of his images captures and exalts fleeting beauty in the everyday mundane, while critically engaging with the ugliness and brutality of life. Georgiou’s images all originate as hand made postcards – montages of collected objects, fragmented pictures and writing in which he recounts his impressions for a chosen recipient, often the sponsors of his project, thereby belying the precarious ambiguity of his own position.

By contrast Angela Lyras photographs document a journey that begins Seoul, S. Korea and ends in Bousan and Ulsan, for the official delivery and naming ceremonies of her family’s new LPG carrier vessel, the Captain Nicholas ML (after her father). Through the lens of her camera we follow the narrative of her weeklong trip. From the official events and celebrations of the ship naming, we progress to the in-between-times that more fully inform the experience of her visit to this ultra-modern country. Her observations are at once humorous and tinged with melancholy. Her eye is drawn to incidental events, the tarnished high-gloss of hotels, the pop-culture of TV, billboard advertising, and corporate icons and slogans in a foreign land. In these photographs, portraits of power figures might occur along side provocatively ribald or straightforwardly strange images – yet they all convey the alienating sense of the relentless passage of time and the destructive tendency of mankind in his insatiable desire for comfort and consumer ecstasy.

Italiano

‘Queste sono le ultime cose che ha scritto. Uno per uno svaniscano e non tornano più. Ti poso raccontare di quelli che ho visto, di quelli che non ci sono più, ma dubito che ci sarà tempo. Adesso sta tutto succedendo troppo veloce e non riesco a mantenere il passo. / Non pretendo che capirai. Tu non hai visto tutto questo, e anche se ci provasi, non te lo potresti immaginare. Queste sono le ultime cose.’

Il titolo della nostra mostra estiva e tratto dal romanzo eponimo di Paul Auster in cui descrive una cultura caduta, distopica. Appellandosi al pathos, l’ironia e la commedia i lavori di Jack Early, Alexandros Georgiou e Angela Lyras raccontano con fotografie, collage e musica, da luoghi sconnessi – Ulsan, Varanasi e New York – la disintegrazione di sistemi sociali e culturali, nel contempo le loro descrizioni distillano una poetica dai frammenti della cultura contemporanea.

Sarà in mostra Poster di Jack Early. Questa iscrizione racconta la storia della sua rapida ascesa e discesa come parte del binomio d’arte Pruitt-Early nel mondo dell’arte di New York nei ultimi anni 80, primi anni 90. La loro carriera è arrivata ai massimi livelli con la mostra del 1992 alla Leo Castelli gallery:The Red Black Green Red White Blue Project (nuovamente istallato nella mostra Pop Life: Art in the Material World, Tate Modern 2009). Notoriamente, la mostra venne quasi unanimemente schiacciata dalla critica col risultato che gli artisti venereo ostracizzati dal mondo del arte. In conseguenza della mostra del 1992 Early smise di produrre arte visiva per più di una decade e mezzo, interessandosi invece di scrittura e musica. Early racconta le sue esperienze dei ultimi quindici anni attraverso le sue liriche e melodie. Esprime la malinconia e la gioia inerenti nella riscoperta della felicità dopo aver perso l’amore, la fama e la fortuna. Informati dalle tradizioni orali e la folk music Americana i racconti di Early gestiscono sentimentalità ed ironia per rivelare aspetti a volte torbide della cultura Americana. TFA esibirà 9 dei dischi in vinile di diversi colori appariscenti stampati a mano da Early. Questi lavori sono sia oggetti Pop iconici, sia commenti ironici sul concetto del ‘ready-made’.

I lavori di Alexandros Georgiou dalla sua serie Without My Own Vehicle ci portano verso l’Oriente. Col suo arduo viaggio via terra da Atene (città natale del artista) a Varanasi in India, per via della Turchia, l’Iran ed il Pakistan, Georgiou esplora luoghi sottoposti a difficoltà opprimenti e convulsioni sociali dove la maggioranza degli abitanti sono esclusi dalla prosperità economica del mondo ‘sviluppato’. Era l’intenzione di Georgiou imbarcarsi in un viaggio che l’avrebbe portato faccia a faccia con posti che conosciamo soprattutto attraverso l’ottica della stampa occidentale tramite associazioni e pregiudizi banali. Trascendendo quelli che potrebbero essere gli ornamenti esotici dei suoi soggetti orientali, Georgiou rivela la forza spirituale dei popoli tra cui ha vissuto. La poesia delle sue immagini cattura ed esalta la fiutante bellezza delle cose comuni, di tutti i giorni, e al contempo attiva una critica astuta della rude brutalità della vita. Tutte le immagini di Georgiou hanno origine come cartoline fatte a mano – sono montaggi di oggetti trovati, immagini frammentarie e scritti in cui racconta le sue impressioni per una persona scelta – spesso lo sponsor del suo progetto – smentendo quindi la precarietà della sua posizione.

In contrasto, le fotografie di Angela Lyras documentano un viaggio – che inizia a Seoul, Korea del Sud e si conclude a Bousan ed Ulsan – intrapreso per le cerimonie ufficiali di consegna e battesimo della nuova nave da trasporto GPL proprietà della sua famiglia, la Captain Nicholas ML (a ricordo del suo padre). Attraverso la lente della sua macchina fotografica seguiamo la storia della sua settimana di viaggio. Dalle celebrazioni e gli eventi ufficiali del battesimo, proseguiamo attraverso i momenti intermedi che ci informano più ampiamente delle sue esperienze in questo paese ultra-moderno. Le sue osservazioni oscillano tra comico e melanconico. Il suo occhio è attirato da avvenimenti casuali, la offuscata lucidità di alberghi, la cultura popolare della TV, delle insegne pubblicitarie e le icone e gli slogan delle corporazioni in terre straniere. Seguendo un percorso temporale, queste fotografie accostano ritratti del potere ad immagini provocative, libertine o semplicemente starne. Da ogni immagine percepiamo il senso alienante del passaggio implacabile del tempo e la tendenza distruttiva del uomo nella sua corsa verso desideri insaziabili per il comfort e l’estasi del consumismo.

Past Exhibitions

same place same time –

Phyllis Baldino | Paul Desborough

Spring 2011 / 2 April – 3 July 2011
Primavera 2011 / 2 aprile – 3 luglio 2011

via Roma 22, Cortona

English, scroll down for Italian

The formal contrast between the two artist’s works in this exhibition is immediately discernible in their differing media. Phyllis Baldino works predominantly with video to explore the varying nature of perception, while Paul Desborough’s paintings, severed from any conventional support such as canvas or panel, challenge the formal limits of their materials to blur the boundaries of sculpture and installation. Both artists use photographic imagery ironically while also conducting an attentive dialogue with the art of the past.

Eleven short silent videos from Phyllis Baldino’s Out of Focus Everything Series will be exhibited. This series is comprised of forty pieces that are inspired by the “theory of everything” trying to unify Einstein’s general relativity (the very large) with quantum theory (the very small). Filmed in the United States, France and Italy, they also reveal the range of places that have influenced her, from Robert Smithson’s Spiral Jetty and the house of Camille Claudel to the ancient architecture of the Pantheon. Conceptual rigour, formal coherence and a delight for colour characterise Baldino’s works. Her video triptych Absence is Present: MayJuneJuly was shot during three consecutive months at Giverny. In this piece she parallels the ‘absence’ or blind spot in her own sight (a collateral effect of recent open-heart surgery) with Monet’s failing vision during his last years at his home and studio, today a popular tourist destination.

Paul Desborough calls his innovative method of image making ‘Cast Transfer’ painting – the term alludes to the action of casting/throwing paint to make a picture and to casting/moulding paint so that it becomes its own support. It is also suggestive of the means by which he integrates found material from print media or commercial packaging into his constructions. By inserting mechanically produced images alongside his painterly gesture, Desborough eloquently appropriates fragments of consumer icons and claims them as art objects. Desborough’s two large-scale works exhibited at TFA exemplify his method of ‘Cast Transfer’ painting and fully reveal his refinement and control of a seemingly informal technique.

This is the second in a series of three TFA exhibitions for 2011: a site (winter), same place same time – (spring), in the country of last things (summer). Each is concerned with the idea of place – and its counterpoint – the essence of the thing the artist saw.

Italiano

Il contrasto formale nell’opera dei due artisti in mostra si evidenzia immediatamente dal loro diverso uso di materiali. Phyllis Baldino lavora prevalentemente col video per esaminare la varia natura della percezione, mentre i dipinti di Paul Desborough, recisi da ogni supporto convenzionale come la tela o la tavola, sfidano i limiti formali della materia per sfocare i confini tra scultura ed istallazione. Entrambi gli artisti usano elementi fotografici con ironia e conducano un attento dialogo con l’arte del passato.

Undici brevi video silenziosi dalla Out of Focus Everything Series di Phyllis Baldino saranno esibiti. Girati negli Stati Uniti, in Francia ed in Italia, rivelano la gamma dei posti che hanno influenzato l’artista, dalla Spiral Jetty di Robert Smithson e la casa di Camille Claudel alle antiche architetture del Pantheon. Rigore concettuale, coerenza formale e un diletto per il colore caratterizzano il lavoro di Baldino. Il suo video trittico Absence is Present: MayJuneJuly è stato girato a Giverny nei tre mesi consecutivi. In questo lavoro l’artista pone in parallelo l’assenza o punto cieco nella propria vista (l’effetto collaterale di un recente intervento chirurgico al cuore) con la crescente cecità di Monet durante i suoi ultimi anni vissuti nella sua casa-studio, oggi diventata una popolare destinazione turistica.

Paul Desborough chiama il suo metodo innovativo di creare immagini ‘‘Cast Transfer’ painting’ – il termine allude sia a l’azione di gettare/lanciare il colore per creare un immagine sia alla possibilità di gettare/modellare il colore in modo che possa sostenersi autonomamente. Il termine accenna anche al modo in cui Desborough integra immagini fotografiche trovate, o in riviste o negli imballi di prodotti di consumo, nelle sue costruzioni. Inserendo immagini meccanicamente riprodotte a fianco al suo gesto pittorico, Desborough appropria frammenti d’icone del consumismo per ricostruirli come oggetti d’arte. I suoi due lavori grandi in mostra da TFA esemplificano il suo metodo di ‘‘Cast Transfer’ painting’ e rivelano per intero il suo controllo raffinato di una tecnica apparentemente informale.

Questa è la seconda di una serie di tre mostre alla TFA per il 2011: a site (inverno), same place same time – (primavera), in the country of last things (estate). Ciascuna si occupa del idea di un posto – ed il suo contrappunto – l’essenza della cosa che l’artista ha visto.

Preview to a site

From 28 November 2010
Solonos 42, Athens

a site,

Winter 2010 / 11 December 2010 – 20 March 2011
Inverno 2010 / 11 dicembre 2010 – 20 marzo 2011

via Roma 22, Cortona

ENGLISH

“The title of this show, a site, is such because you are always somewhere looking at something – from a place, a point in time. You see a room, you look at your brother, at the house you grew up in and it looks like all the other houses. It’s a lovely day indeed, lovely for some, not so lovely for others. These works have to do with that, seeing the same things but not, because each time you look at anything it begins to change.”

Our winter show is the first in a series of three, entitled: a site (winter); same place same time (spring); in the country of last things (summer). Each will be concerned with the idea of place – and its counterpoint – the essence of the thing the artist saw.

The selection of works for the exhibition a site is characteristic of TFA’s programme and has evolved out of a desire to express the condition of excess that we are surrounded by. There is too much of everything, from mass-produced goods, to art-world products. At the same time, there is too little that is meaningful and what is left, is melting like ice and being replaced by a tide of sameness. The artists working with TFA are stylistically diverse, some are internationally recognized and others unknown. The binding force in our selection is about an idiosyncratic vision that is in dialogue with art history and committed to the object as an expression of individual quality.

The exhibitions a site, same place same time, in the country of last things will include works by artists collaborating with TFA:

ITALIANO

Il titolo inglese di questa mostra a site significa un posto, ma e anche un gioco di parole allusivo ad un punto di vista. I lavori in questa mostra trattano sia del fatto che vediamo le cose da un punto di vista e da un momento nel tempo – ma anche della convinzione che quello che abbiamo visto una volta, sarà cambiato nel rivederlo perchè tutto ciò che percepiamo è in costante cambiamento.

La nostra mostra invernale è la prima in una serie di tre, intitolate: a site (inverno), same place same time (primavera), in the country of last things (estate). Ciascuna si occupa del idea di un posto – ed il suo contrappunto – l’essenza della cosa che l’artista a visto.

La selezione dei lavori per la mostra a site è caratteristica del programma di TFA; è evoluta dal desiderio di esprimere la condizione di eccesso dal quale siamo circondati: c’è troppo di tutto, da prodotti di massa a prodotti d’arte. Al contempo non c’è abbastanza che ha significato, e quel che rimane si sta sciogliendo come ghiaccio di-fronte la marea del banale. Gli artisti che lavorano con TFA sono stilisticamente svariati, alcuni hanno riputazioni internazionali e altri sono sconosciti. La nostra selezione è unificata dalla voglia di presentare artisti con punti di vista distintivi, che dialogano con la storia dell’arte e che sono dedicati al oggetto d’arte come espressione di qualità individuale.

Le mostre a site, same place same time, in the country of last things includeranno opere degli artisti che collaborano con TFA:

Sara Jessie Kane | Sharon Thomas | Edwina Ashton

14 August – 14 November 2010
via Roma 22, Cortona

ENGLISH

The works of Sharon Thomas, Sara Jessie Kane and Edwina Ashton presented in this exhibition explore ambiguous territories balanced between the mundane and the obsessions of ritual.

Sharon Thomas’s Coffee Morning Series take us on a disconcerting journey through the artist’s Fairy Hill landscapes in which a young girl – perhaps a metaphor for the artist herself – is both witness, spectator and occasionally participant, in a sequence of obsessively played out, male dominated rituals.

By contrast the abstract forms of Sara Jessie Kane’s paintings present us with fractured scenarios of a psychological intensity that border on representation. By simultaneously hiding and revealing her subject, the ambiguity of our role as viewers is magnified, to create a precarious condition of uncertainty.

In the video works of Edwina Ashton we are confronted by figures dressed in grotesque costumes reminiscent of animals and insects, at once friendly and frightening: their actions reveal the obsessive rituals of mundane existence, at first comic, giving way to the tragic as the repetition is perpetuated.

With entirely divergent means each artist leads us into conflicted territories in which gender, status and identity are tested and pushed to breaking point. The results, whether frightening or fascinating, demandingly serious or absurdly humorous, disclose surprisingly informative means of perceiving the realities by which we are constantly buffered.

ITALIANO

I lavori di Sharon Thomas, Sara Jessie Kane e Edwina Ashton presentati in questa mostra esaminano territori ambigui in bilico tra l’ordinario e le ossessioni rituali del giornaliero.

Nella Coffee Morning Series di Sharon Thomas veniamo trasportati nel sconcertante paesaggio fantastico dell’artista: Fairy Hill. Qui una bambina protagonista – forse una metafora per l’artista stessa – è sia testimone e spettatrice, che partecipante ad una sequenza di bizzarri rituali dominati da uomini.

A contrasto, le forme astratte dei dipinti di Sara Jessie Kane ci presentano con scenari fratturati d’intensità psicologica, confinanti sulla rappresentazione. Simultaneamente rivelando e nascondendo il suo soggetto, l’ambiguità della nostra posizione di spettatore viene amplificata per creare una precaria condizione d’incertezza.

Nei lavori su video di Edwina Ashton ci troviamo di fronte ad una sequenza di figure vestite di grotteschi costumi ricordanti le forme di animali ed insetti, al contempo simpatici e spaventosi: le loro azioni rivelano gl’ossessivi rituali della ordinaria esistenza giornaliera; essi sono da prima comici, cedendo poi al tragico con la perpetuazione della ripetizione.

Con mezzi assolutamente divergenti ciascuno degli artisti ci trasporta in confittati territori, in cui le nostre idee d’identità, di genere e di gerarchia vengono provate e spinte al limite. I risultati, se terrificanti o affascinanti, di serietà impegnativa o assurdamente arguti, schiudano un’ informativa gamma di modi di percepire le realtà che costantemente ci circondano.

Giacinto Occhionero | Jennifer Graber | Phyllis Baldino

Dissennato Paesaggio

19 June – 1st August 2010
via Roma 22, Cortona

English

The work of the artists presented in this exhibition, are united by two intentions: the will to appropriate and reinterpret works by major artists of the past and the choice to engage with and question received ideas about our natural environment. Stylistically divergent, each of the three artists in the show lead us towards different areas of perception. By appealing to art works of the past, each artist casts his or her work in an historic present whereby their contemporary vision is juxtaposed with that of their predecessors’ intentions. Through the works presented here we are invited to look at the past and the contemporary present simultaneously. In doing so we recognise how each artist critiques received ideas to generate new modes of reception that are philosophically provocative.

Phyllis Baldino lives and works in New York. She is currently in the exhibition Do/Redo/Undo at Wiels, in Brussels (05.08-06.06.2010). Baldino is included in the section that features ‘45 Years of Performance Video from EAI’ which was also at PS1 in New York (01.11.2009-26.04.2010).

Jennifer Graber lives and works in Boston, she has recently been in the group show From the Sublime to the Ridiculous organised by TFA, Athens (15.11.09-02.12.2009)

Giacinto Occhionero lives and works in Rome. He has recently had the solo exhibition Nafta & Dafne at Studio d’Arte Pino Casagrande, Rome (12.2009-02.2010)

Italiano

l lavori degli artisti presentati in mostra sono uniti da due intenzioni: la voglia di appropriare e confrontarsi con opere di alcuni dei maggiori artisti del passato e la scelta di impegnarsi con, e di interrogare idee accettate riguardanti il nostro ambiente. Stilisticamente diversi, ciascuno degli artisti in mostra ci porta verso differenti zone di percezione. Mediante l’appello ad opere d’arte del passato, ogni artista propone il proprio lavoro in un presente storico nella quale la loro visione contemporanea entra in paragone con le intenzioni dei loro predecessori. Tramite i lavori presentati siamo quindi invitati a vedere il passato ed il presente contemporaneo simultaneamente. Così facendo, riconosciamo come ciascun artista commenta idee accettate per generare nuove forme di comprensione filosoficamente provocative.

Phyllis Baldino vive e lavora a New York, è attualmente nella mostra Do / Redo / Undo a Wiels, Brussels (08.05 – 06.06. 2010). Baldino è inclusa nella sezione ‘45 Years of Performance Video from EAI’ che è stata presentata a PS1 New York (01.11.2009 – 26.04.2010).

Jennifer Graber vive e lavora a Boston, è recentemente stata nella mostra collettiva From the Sublime to the Ridiculous a cura di TFA, Atene (15.11.09-02.12.2009)

Giacinto Occhionero vive e lavora a Roma. Recentemente ha avuto la mostra personale Nafta & Dafne a Studio d’Arte Pino Casagrande, Roma (12.2009-02.2010)

From the Sublime to the Ridiculous

15th November – 2nd December 2009

Opening Sunday 15th November 3:00 – 6:00 pm
Mnisikleous 18 & Diogenous Steet, Plaka, Athens

Produced by: Teverina Fine Art, Cortona, Italy

Edwina Ashton (UK) Phyllis Baldino (USA) Anne Sofie Bird Møller (Denmark) Paul Desborough (UK) Jennifer Graber (USA) Scott Grodesky (USA) Sara Kane (USA) DeAnna Maganias (Greece) Kirsi Mikkola (Finland) Giacinto Occhionero (Italy) Luca Padroni (Italy) Maria Papadimitriou (Greece) Sharon Thomas (UK) Nicola Tyson (UK)

This first exhibition organized by Teverina Fine Art will be held in the mid-nineteenth century neo-classical home of Angela Lyras located in the Plaka district of Athens. Lyras was co-founder along with Nicola Tyson of the acclaimed experimental gallery, “Trial Balloon” – an initiative in the early 1990’s New York City art scene that promoted emerging women artists. The exhibition is curated by Francesco Nevola, director of TFA and most recently author of books on the eighteenth century etcher-architect Giovanni Battista Piranesi and on contemporary painter Sharon Thomas.

Teverina Fine Art is a gallery/ project space located in Cortona, Italy opening in spring 2010. It is an artist-curator run project with a studio space for in house art production in the Umbro-Cortonese mountains of Tuscany. The founders of the project space are Francesco Nevola and DeAnna Maganias.

TFA proposes the work of fourteen artists from six countries. Despite restrictions of distance, several of these artists know each other well and their network of connections reflect the increasingly international nature of our culture. Their work embraces styles ranging from abstraction to figuration, and uses media from film, collage, painting to sculpture.

‘From the sublime to the ridiculous… there is but one step.’ This now famous phrase, was adapted from the words of the Englishman Thomas Paine, one of the founding fathers of the Unites States, who observed in his book, The Age of Reason (1793) that: ‘The sublime and the ridiculous are often so nearly related, that it is difficult to class them separately’.

Certain related themes emerge from the collection of works in the exhibition: the nature of repetition that punctuates everyday activity; the ways we relate to our built and natural environments and the role of media imagery representing a ‘virtual’ world. Other works focus on issues of pure abstraction – investigations into the potential of form and colour as an expansive generative force. Furthermore, the absurd nature of what is considered serious, or conversely, the serious nature of what may be thought absurd, could be recognised as significant means by which these artists explore the experience of everyday reality.

18 Mnisikleous & Diogenous Street, Plaka, Athens
Wednesday – Sunday, 11.00 am – 5.00 pm or by appointment / Tel: +30 210 3254276
+30 693 946 3842
www.teverinafineart.com